클래식 음악에서 공간 음향이 할 수 있는 것과 할 수 없는 것

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몰입형 오디오 형식은 팝의 경우 최신 형식이지만 수십 년 동안 작곡가들이 사용해 왔습니다. 하지만 모든 작품이 공간적 처리를 요구하는 것은 아닙니다.

세스 콜터 월스

몰입형 형식을 위해 기존 앨범과 새 앨범을 혼합하는 공간 오디오의 최근 개발은 팝 세계에 뉴스를 만들었습니다.

올바른 제작 과정(스튜디오)과 기술 설정(집)을 고려하면 헤드폰 사운드는 더 이상 각 귀에 정적으로 눌려지는 느낌을 받을 필요가 없습니다. 대신, 그들은 당신의 머리 주위를 윙윙거리거나 목덜미에서 손짓하는 것처럼 보일 수 있습니다.

아니면 단순히 새로 숨을 쉬십시오. Taylor Swift의 "Mine(Taylor's Version)"의 Dolby Atmos 믹스에서 흩어진 슬라이드 기타 악센트에 초점을 맞추고 있든, Frank Zappa의 빈티지 "Big Swifty"에서 금관 배열 세공의 톱니 모양 디테일을 감상하든, 아이디어는 다음과 같습니다. 대형 스피커 어레이의 강화된 3차원 느낌을 귀에 들려주세요.

하지만 클래식 음악은 수십 년 전에도 존재했습니다. Deutsche Grammophon과 Philips 레이블은 모두 1970년대에 "Quadraphonic"(4채널 릴리스)을 실험했습니다. 최근에는 3D 느낌을 시뮬레이션하도록 설계된 바이노럴 녹음과 믹스가 매우 흥미로워졌습니다. 그러나 이제 Apple의 최신 Beats 헤드폰 기능인 헤드 트래킹 기술을 포함하여 이러한 공간 제작 방식과 기타 공간 제작 방식에 대한 기업 투자가 더 활발해지고 있습니다. (추적 옵션을 활성화한 상태에서 이것을 착용하고 머리를 움직이면 방향을 바꾸더라도 사운드 포인트가 360도 필드에 고정된 것처럼 보입니다.)

John Coltrane과 Eric Dolphy가 출연한 새로운 아카이브 녹음 "Evenings at the Village Gate"로 헤드 트래킹을 시도하기 전까지는 헤드 트래킹이 거의 무의미해 보였습니다. 심지어 주의가 산만해졌습니다.

내 얼굴 앞에서 Dolphy의 베이스 클라리넷을 들으면서(그의 연주에 놀라 고개를 저었을 때에도 안정적으로 유지됨) 전설과 공간을 공유하고 있다는 느낌이 잠깐 들었습니다. Dolphy나 Coltrane이 자신만의 방식으로 연주하는 것보다 더 중요한 것은 아니지만 깔끔한 트릭입니다.

녹음이 이루어졌을 무렵, 클래식 작곡가들은 공간화된 개념을 창작 활동에 도입하고 있었습니다. 2채널 스테레오 사운드라는 비교적 온순한 기술이 모든 가정에서 표준이 되기 전에도 Karlheinz Stockhausen과 다른 사람들은 전자 제품이나 테이프 요소와 관련된 작업에 더 복잡한 믹스를 사용하고 있었습니다.

스톡하우젠이 비틀즈의 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band': 1956년의 'Gesang der Jünglinge'와 같은 작곡가의 작품은 5개 스피커 믹스(천장에 있는 스피커 포함)를 사용했습니다. 이는 한때 Stockhausen의 "Plick-plop" 작품을 자신이 가장 좋아하는 작품으로 "Gesang"을 묘사했던 Paul McCartney에게 깊은 인상을 남겼습니다.

이제 클래식 음악 세계의 보다 전통적인 부분에서도 공간 오디오가 활용되고 있습니다.

리카르도 무티(Riccardo Muti)와 에사-페카 살로넨(Esa-Pekka Salonen)을 포함한 오케스트라 세계의 선도적인 지휘자들은 최근 녹음한 공간 오디오 믹스를 개인적으로 승인했으며 Apple Music과 Apple Music의 독립형 클래식 스트리밍 앱을 통해 출시되었습니다. 그리고 다른 장르와 마찬가지로 Apple은 공간화된 리믹스의 재생 목록을 수집했습니다.

클래식 음악 몰입형 집단의 정규 연주자들은 계속해서 활동을 이어왔습니다. SWR Experimentalstudio의 멤버들은 이번 달 뉴욕에서 열린 Time Spans Festival에 참석하여 이탈리아 모더니스트 Luigi Nono의 서라운드 사운드 작품을 선보였습니다. 그리고 미국의 작곡가이자 색소폰 연주자인 Anthony Braxton은 독일 다름슈타트 여름 코스에 새로운 서라운드 사운드 개념인 "Thunder Music"을 도입했습니다.

그 라이브 공연은 정말 훌륭했어요. 녹음에 관한 이야기는 다릅니다. 최근 다양한 Dolby Atmos 믹스를 듣고 난 후 클래식 음악의 보다 주류적인 공간 제공 기능이 아직 진행 중인 작업이라는 것을 느꼈습니다.

그 사이 어딘가에는 이번 여름 뉴욕의 Shed에서 Stockhausen이 공간 오디오 컨셉을 구현한 Sonic Sphere가 있었습니다. 124개의 스피커가 동시에 약 200명의 청취자를 에워쌌습니다. 7월 초, 나는 탁한 베이스 주파수로 인해 어려움을 겪는 Steve Reich의 "Music for 18 Musicians"의 새로운 믹스를 들었습니다. 불행하게도 이것은 또한 작품의 미니멀리스트적 우아함을 빼앗아갔습니다. 베이스 클라리넷 라인을 따라가는 대신, 그것이 거기에 있다고 추측했을 뿐입니다. 드라마틱한 느낌이 산산조각이 나더군요.